一，原作与复制品
欧洲艺术史上透视法的出现，使眼睛成了可见时间的中心。
我们的双眼在不懂得透视法则时就能感觉到透视现象。从视觉艺术发展的历史来看，透视法是晚近的发现。文艺复兴之前，画面中布置人物形象的大小比例更多取决于精神级别的次序，而非实际生活的观察。而文艺复习时期，人们开始思考周围的世界、构成的环境、个别事物之间的空间关系，透视法成了一种强烈的需求。透视法的出现，意味着艺术不仅可以用来叙述宗教故事，还可以用来反映出现实世界的一个侧面。
西方是透视法，打造虚拟感。油画的笔触质感也是立体的、可触的。而东方山水画则是散点透视，笔触融于画纸上。前者意图创造三维虚拟感。
目光聚集于一个物件的时候，呈现出“物与我的关系”（self and objects）。（笛卡尔，被客体化的世界）（不是很懂）
绘画与建筑物融为一体。人们在建筑里的生活筑成建筑自身的记忆。画的独特性也是所在地独特性的组成部分。圣像画的地点也为它确立了意义。
现在我们看伟大的画作需要到美术馆博物馆，但它们原本可能诞生在石窟里或是教堂的穹顶上，当它们被玻璃罩着悬挂着被展示的时候，已经失去了一部分以前的意义和联结。
最早的艺术作品起源于仪式——先是为巫术仪式，后来为宗教仪式——服务的功能。而机械复制是在世界历史上第一次把艺术作品从它对仪式的寄生式依赖中解放了出来。
艺术客体的原真性即所有的从一开始就可以传播的东西的本质，包括它实际存在的时间长短及它曾经历过的历史的证明。换句话说，“原真性”艺术作品的独特价值体现在仪式当中，即体现在原作使用价值的地方。“原真性”艺术作品具有“光晕”，即艺术品的神圣气质，以及诸多社会属性加起来的总和。（本雅明，机械复制时代的艺术；本雅明，图像与语境）
艺术的可能性只有在除掉其虚伪的神秘和强烈的信仰感后才会露出真相。信仰感总是与经济价值联系在一起，却打着文化和文明的旗号。（保持清醒）
二，裸像与女性
to be naked is to be oneself ; to be nude is to be seen by others.
前者的性别是男性，后者是女性。
如波伏娃《第二性》中写道「他是主体，是绝对，而她则是他者。」
吴琼的《视觉性与视觉文化》，她提到「所谓视觉政体，简单来说，就是指在视觉中心主义的思维下，视对象的在场与清楚呈现或者说对象的可见性为唯一可靠的参照，以类推的方式将视觉中心的等级二分延伸到认知活动以外的其他领域，从而在可见与不可见、看与被看的辩证法中确立起一个严密的有关主体与客体、自我与他者、主动与受动的二分体系，并以类推的方式将这一二分体系运用于社会和文化实践领域使其建制化。比如在性别问题上，人们想当然地以一种视觉中心注意的思维认定男性要优越于女性，具体就体现在：在认识的方面，认为男性是能运用视觉的理性的认知者，而女性更多地受触觉所引发的感觉和情感的控制。这一二元的概念结构的有害影响不仅在于它想当然地使对立双方的一方优越于另一方，而且还体现为它对那被归入低级一类的事物的贬抑。」
从古典绘画到今天的时尚杂志，女性总是作为消费对象，为了满足男性审美。
我问老师被看是不是被感知，被感知不就是存在吗，女性主义和存在主义有没有联系。老师答被看是被感知的一种方式，但是女性只有被看这一种感知方式。女性环保主义(?)和生态女性主义(?)这两个分支与存在主义有联系。
*李沧东的《燃烧》中女孩在日落前跳舞真是一段典型的..被看。
三，财产与艺术
“我们的生活充满了什么行为？”
“买买买！”
“不是买，是消费。你买大米，吃完了，这不叫消费。你为了健康只买有机大米，这是消费。你购买的物品物品与身份认同和生活方式达成了同一性，这才是消费行为。”
画展示财产，也成了财产。
为什么当时只有绘画成了一种可流通可商品化的财富？
1，是看得见摸得着的实体，具有物质特性。
2，比起音乐、诗歌、戏剧等等，它有“民主化趋势”(wider access)
3，图像的符号性很强，是典型的视觉符号和沟通媒介。
